デザインは問いを投げかけ、好奇心を刺激すべきだ
家具デザイナー、マリア・ブルーンとの対談
すでに高い評価を得ているマリア・ブルーンは、長い歴史を誇るデンマークのデザイン伝統に連なります。クラシックなデンマーク家具デザインへの真摯な敬意を礎に、革新的なアプローチと優雅な造形言語を重ね合わせ、芸術性と機能性の境界を行き来する作品を生み出しています。その好例が、彼女の彫刻的ミニマリズムを反映したフレデリシア社の「アイレッツ」テーブルコレクションです。ブルーンはそのデザイン姿勢により、デンマークの権威あるフィン・ユール賞とウェグナー賞を受賞しています。
“ 製品そのものよりも、彼女のデザインプロセスへの向き合い方に私は強く刺激を受けます。家具、インテリア、テキスタイル、日用品、ジュエリー──ナナにとっては何であれ自分の領域であり、自由に形づくれる芸術的課題でした。そして、主観性と創造性をとことん追求する彼女の妥協のない姿勢は、私が敬意を抱き、自身の仕事にも生かしているものです。 ”
マリア・ブルーン 家具デザイナー
FREDERICIA ディッツェルのデザインには、どのような独自性があると感じますか。
MARIA ナナは、装飾をまったく恐れていませんでした。造形そのものにも、スリットや孔を用いた表現にも、色彩の構成にも装飾を取り入れています。そこが、とても興味深いと思います。自然から得たインスピレーションは、そうした装飾的なディテールにはっきりと表れています。多くのデザイナーが要素を削ぎ落としていた時代に、ナナはデザインへ何かを加えることをためらいませんでした。まるで、そうせずにはいられなかったかのように。
F 家具デザイナーとして、ディッツェルの仕事からどのような影響を受けていますか。
M 実際の作品以上に、彼女のデザインプロセスから影響を受けています。ナナにとっては、家具も、インテリア空間も、テキスタイルも、日用品も、ジュエリーも、すべてが自分の領域でした。そして、どれも自由にかたちを変えられる芸術的な課題として捉えていたのだと思います。自らの主観と創造性を妥協せずに貫く。その考え方を尊敬していますし、私自身の仕事にも受け継いでいます。
私にとって、ものをつくることは、とても直感的で主観的なプロセスです。だからこそ、依頼された条件の外側まで考えることがよくあります。最初から制限や枠を設けるのではなく、アイデアや形、素材が自由に流れながら変化していく。ひとつの段階で得た発見が、次の段階を導く。そうした反復の中で、デザインが少しずつ育っていきます。たとえば、トーマスやラスムス・グラバーセンと仕事をするときも、私はしばしば依頼の範囲を越えて考えます。そこから、私自身が凝縮されたような、力強い製品が生まれるのです。デザイナーの声に、そこまで深く耳を傾けることは、メーカーにとって勇気のいることです。いまの時代では、決して一般的な姿勢ではありません。
既存のコレクションとの整合性や、市場における競合の動き、大きな販売数量だけを基準にするのではなく、デザイナーのビジョンを商業的な枠組みの中で実現し、意味のあるデザインを生み出すことに目を向ける。私たちは、自分たちにとってよいデザインが大切であるなら、使う人にとっても、きっと大切なものになると考えています。
F ディッツェルと同じように、あなたも「こうすべき」「こうしてはいけない」という決まりに縛られないデザイナーだと評されています。もう少し詳しく聞かせてください。
M 私の創作プロセスは直感的ですが、何の制約もなく、完全に自由に仕事をしているわけではありません。
妥協のない芸術的なアイデアが姿を現した後には、それを機能し、実際に使える家具へと変えていく必要があります。そこから、機械や熟練した職人とともに、形を最適化し、可能性を探る本当の仕事が始まります。
プロセスの中で、私が特に好きなのがこの段階です。経験豊かな職人の言葉に耳を傾ける一方で、ときには「こうするものだ」「昔からこの方法でつくってきた」という技術や考え方に、問いを投げかけなければなりません。
ただ反対すること自体が目的ではありません。それでも、新しい技術や可能性を見つけるには、従来の形や生産方法を少し押し広げ、ときには失敗してみることも必要です。そうすることで初めて、伝統とされてきたものを、次の段階へ進められるのだと思います。
F ディッツェルは、それまでのデザインの捉え方に反発しました。現在のデンマークデザインにも、同じような変化が起きていると考えていますか。
M 現代の若いデザイナーたちは、ナナのプロセスや創作に対する姿勢に、深く共感できると思います。
いまの世代にとって、デザインには唯一の正解も、絶対的な間違いもありません。デザイナーは以前よりも自由に、自分自身の価値観に基づいて表現できるようになりました。使い手もまた、デザインが多様なものであり得ると理解するようになりました。デザインは芸術にもなれば、建築にもなる。美しいものにも、醜いものにもなり得ます。表現のあり方が多様になったいま、若いデザイナーが重視するのは、それが意味を持つか、人の心に何らかの反応を引き起こせるかということです。制作の途中で立ち止まり、「ここで完成だ。このデザインは周囲の環境に対して、きちんと意味を持っている」と、自ら判断する傾向も強くなっています。ナナの時代には、何が「本当のデザイン」であるかについて、もっと一方向的な考え方がありました。いまでは、デザインを受け取り、使う側の姿勢も、はるかに実験的です。そこから刺激的な製品が生まれ、「デザインとは何か」という従来の常識も変わり始めています。
F ディッツェルにとって、前へ進み、絶えず問い続けることは欠かせない姿勢でした。あなたがデザインするうえで、大切にしていることは何ですか。
M 私が大切にしているのは、よいデザインには意味があり、単なる機能以上のものをもたらすということです。デザインは、使う人のために価値と意味を生み出す仕事だと考えています。私は作品の中に、何か問いを生む要素を加えたい。使う人の好奇心を刺激したり、ほんの少し違和感を覚えさせたり、ときには小さな苛立ちを感じさせたりするものです。そうした瞬間に、デザインと使い手との対話が始まるのだと思います。
F ナナ・ディッツェルがデザインしたものの中で、最も好きな作品は何ですか。
M ジュエリーはどれも素晴らしいですし、《Hallingdal》も長い年月を通して、その価値を証明してきました。DSBとの協働によるIC3型列車の色彩構成も、見事なデザインの成果です。それでも、私が最も好きなのは、1962年に発表された《Trisse》です。シンプルでありながら、遊び心があり、彫刻的でもあります。中央の支柱は手でしっかりとつかめるため、そのまま持ち上げることができます。人の手にちょうどよく収まる、完璧なプロポーションです。積み重ねることのできる「ビルディングブロック」のような存在で、その空間的な可能性には、明確な境界がありません。大きくも小さくも展開できます。ひとつの家具として使うこともできれば、100個を組み合わせて空間を形づくる彫刻にすることもできる。数によって、まったく異なる役割が生まれます。《Trisse》は、特定のスケールに縛られない一方で、人の身体とは一対一の、とても親密な関係を結んでいます。その意外な両立が、私にはとても魅力的なのです。
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ナナ・ディッツェルの生涯とそのデザイン、そして彼女を知る人々の物語の世界へ飛び込もう。
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